Skal du købe kunst som investering? - Typer og risici

Mens jeg har købt andre malerier og bronzeskulpturer gennem de mellemliggende år, har intet kunstværk erstattet min kærlighed - endda kærlighed - til det maleri. Det har besat midterste scene på mine kontorer i næsten 40 år. Scenen minder mig om min tidlige barndom i Texas, tilfredsheden med fysisk arbejde og den vedholdenhed, der kræves for at opbygge en fremtid overalt. Jeg genkender min far, bedstefar og onkler i kørernes holdninger og udtryk.

Kunst har altid bevæget os og fremkaldt minder og drømme om andre tidspunkter og steder. Det påstås at den britiske dramatiker George Bernard Shaw har sagt: ”Du bruger et glasspejl for at se dit ansigt; du bruger kunstværker for at se din sjæl. ”

Det er ikke overraskende, at nogle er ivrige efter at tjene penge på vores tiltrækning til billedkunst og betragter den som en ny investeringsklasse sammen med aktier, obligationer og guld. Kunst af investeringskvalitet kan levere et årligt afkast på 10% eller mere, ifølge dets fortalere. Nogle siger, at dens bevægelse er modcyklisk for bevægelsen af ​​aktier og dermed kan stabilisere en portefølje i perioder med volatilitet. Laurence Fink, administrerende direktør for Blackrock Financial, en af ​​verdens største fondsforvaltere, hævdede i et Bloomberg-interview, at nutidig kunst er en "seriøs" aktivklasse og "en af ​​de to største største butikker med værdier internationalt."

Er kunst en passende investering for alle? Skulle du afstå fra at købe en bestand eller en obligation til at købe et maleri eller investere i kunst gennem et firma som mesterværker? Hvordan adskiller ejerskab af kunst sig fra traditionelle investeringer som aktier, obligationer, fast ejendom eller guld? Lad os se.

Hvorfor kunst tiltrækker os

Jean-Luc Godard, fransk filmregissør og far til New Wave-filmbevægelsen, hævder, ”Kun kunst tiltrækker os af det, det afslører om vores mest hemmelige selv.” Kunst er det fysiske udtryk for tanker og følelser. At skabe kunst er meget personlig, idet kunstneren udtrykker sit unikke perspektiv af verden - både ægte og imaginære - omkring ham.

Forskning fra neurobiologen Semi Zeki fra University College i London fandt, at det at se kunst udløser en bølge af dopamin - den kemiske neurotransmitter, der får os til at føle os godt - i hjernen. De følelser, der er forbundet med kunst, fandt Zeki, svarede til de, der er forbundet med romantisk kærlighed.

Billedkunst - malerier, skulpturer, tegninger, fotografier og tryk - overskrider tid og rum. Perfektionen af ​​fysisk skønhed fanget af Michelangelo's "David", angsten fra Edvard Munchs "Skriget", og mysteriet bag Mona Lisas smil har fascineret seerne i århundreder. At købe kunst for at tjene penge er imidlertid en relativt moderne udvikling.

Billedkunst som investering

I århundreder var ejerskabet til kunst kun begrænset til samfundets elite. Kun de velhavende - aristokrati, kirker, regeringer og meget succesrige håndværkere - havde råd til at købe eller sponsere et kunstværk. At vise et maleri eller en skulptur i private omgivelser var fysisk bevis på ens status. Steven Pritchard, der skriver i Culture Matters, bemærker, at så tidligt som renæssancen betød ejerskab af kunst ”status, indflydelse, magt og rigdom.”

Den økonomiske vækst, der begyndte i årene efter 2. verdenskrig, udvidede antallet af personer med ultrahøj netværd (UHNWI) og omdannede kunst fra et nichemarked til en global handel. Thomas Seydoux fra Christie auktionshus bemærkede i et interview i 2014 i The New Republic, ”Da jeg startede for 30 år siden havde millionærer både og jetfly - men havde ikke nødvendigvis nogen kunst overhovedet. For de meget velhavende i dag er det ikke fint ikke at være interesseret i kunst. ”

Den voksende efterspørgsel efter billedkunst tiltrækkede hurtigt den finansielle industri, som følte, at der var fortjeneste ved at betjene disse nye, usofistikerede købere. En undersøgelse foretaget af Deloitte fandt, at finanstilsynets billedkunsttjenester nu spænder fra specialiseret rådgivning til komplette tjenester, der inkluderer initial forskning, lettelse af transaktioner, værdiansættelser, arv og filantropisk planlægning og udlån.

Kunstfonde

Kunstfonde, modelleret efter den vellykkede oplevelse af den britiske jernbanepensionsfond med ejerskab af kunst, spredte sig i det første årti af det nye århundrede med 50 fonde, der var aktive globalt. Ved udgangen af ​​tiåret var der kun 12 fonde tilbage i erhvervslivet. I 2015 udsendte Private Art Investor 16 private kunstfonde, mange tilbydes af de samme ledere med en specifik fond dedikeret til en bestemt type kunst.

Todd Levin, direktør for New York-baserede Levin Art Group, rådgiver, at "en kunstfond er et meget dyrt forslag på grund af de faste omkostninger ved at spise væk med ens fortjenstmargen." Melanie Gerlis, forfatter af "Kunst som en investering ?: En undersøgelse af sammenligningsaktiver," var enig og noterede sig, at "kunst ikke er et likvide nok aktiv til at producere den slags afkast, som en investor ønsker."

Mange kunstkunstentusiaster er uenige og peger på det højt publicerede kunstsalg af auktionshuse som Sothebys og Christies. Som Deloitte bemærker, ”Udbuddet af bedste kunstværker vil altid være begrænset og har en tendens til at værdsætte i værdi over tid. Især for afdøde topkunstnere, da malerier går tabt eller købes af museer og samlere. ” Madelaine D'Angelo, grundlægger af det databaserede kunstrådgivningsfirma Arthena, hævdede i en artikel i 2017 i TechCrunch, at investering i kunst “tilbyder imponerende afkast uden at være for bundet til op- og nedture på aktiemarkedet.”

Typer af investeringskvalitetskunst

Langt de fleste af de kunst, der er produceret gennem tiderne, går tabt i tidens flotsam og jetsam, ødelægges eller glemmes og overlades til at falme væk i muggen loftsrum eller takkældere. De sjældne stykker, der overlever generation efter generation, er dem, der fanger og transmitterer essensen af ​​menneskelig oplevelse, der er kendetegnet ved kunstnerens dygtighed, emne og omgivelser. Disse værker betragtes som investeringskvalitetskunst og falder inden for en af ​​følgende kategorier.

1. Mesterværker

Disse bredt anerkendte værker skabt af verdens største kunstnere (eller "Old Masters") ejes af museer og et par private samlere. Når et stykke bliver tilgængeligt til køb, sælges det ofte for titusinder eller endda hundreder af millioner af dollars. En for nylig opdaget Da Vinci, “Salvator Mundi,” solgt for $ 450,3 millioner i 2017, Picassos “The Women of Algiers” indbragte $ 179,4 millioner i 2015, og Van Goghs “Portrait of Dr. Gachet” solgte for $ 2,5 millioner i 1990.

2. Blue-Chips

Priser til $ 250.000 og derover er disse malerier et produkt af etablerede, velkendte navne i kunstverdenen, hvis værker har vundet adskillige priser og er præsenteret i private museumshow. Disse kunstnere er afdøde og sikrer, at udbuddet af deres værker er begrænset. Blue-chips favoriseres af UHNWI'erne, der engagerer konsulenter og regelmæssigt deltager i større auktioner. Værkerne af kunstnere som Francis Bacon, Helen Frankenthaler og Gerhard Richter er inkluderet i denne kategori.

3. Midt-karriere levende kunstnere

Tilsvarende med en vækstbeholdning i værdipapirer er værkerne i denne gruppe blevet anerkendt med priser og findes normalt i private samlinger og et par museer. Disse kunstnere er repræsenteret af de mest respekterede gallerier, og priserne for deres værker starter omkring $ 50.000, men kan nå op i millioner. Samlere betragter Nicola Tyson og Rudolf Stingel som en del af denne gruppe.

4. nye kunstnere

Denne gruppe er sammensat af yngre kunstnere lige begyndt på deres karriere, hvis værker typisk sælger for $ 10.000 eller mindre. Samlere forventer, at de mest markante økonomiske gevinster vil opstå fra denne gruppe, hvis de lever op til deres tidlige løfte. Mens deres kunst ikke findes på museer, genkendes deres potentiale af kritikere og kunstmagasiner som Frieze og Artforum. Joel Mesler fra New Yorks Mesler Feuer kunstgalleri navngiver kunstnere som Loie Hollowell, Brad Troemel og Tony Lewis blandt kunstverdenens up-and-comers.

Formidlere af kunst

Hvis du ønsker at starte en kunstkollektion, er der et par forskellige veje, du kan henvende dig til.

1. Kunstauktionshuse

Kunstauktioner er blevet brugt til at sælge kunstgenstande siden slutningen af ​​1600-tallet. De to mest kendte huse, Sotheby's og Christie's, blev grundlagt i henholdsvis 1744 og 1766 og betragtes som de mest prestigefyldte auktionssteder i dag. Der er dog mange andre steder, hvor håbefulde kunstsamlere kan finde stykker. Auktionsprocessen som salgskanal for kunst er bredt tilgængelig med auktionssponsorer, der spænder fra regionale og lokale kunsthandlere.

Mens sælgere og købere kan forblive anonym, er "hammerprisen" på et stykke - eller den pris, som det sælges til, som angivet ved pausen fra auktionørens gavlet - offentlig viden og bruges af bedømmere til at estimere værdien af ​​lignende arbejder. Den endelige pris, som en køber betaler, inkluderer ikke gebyrer og gebyrer, der er tilføjet af auktionshuset.

Før en auktion estimerer et auktionshus typisk en række priser, som et stykke vil blive solgt til. I nogle tilfælde kan auktionshuset garantere - enten direkte eller gennem en tredjepart - en minimumskøbspris for kunsten til sælgeren. I andre tilfælde kan sælgere bestemme mindsteprisen eller "reserve" for deres kunst, der skal overholdes, før et salg skal gennemføres. Værker, der ikke sælges på en auktion, kaldes "købt ind."

2. Kunstforhandlere

I det tidlige 20. århundrede tjente den britiske kunsthandler Joseph Duveen en formue (og vandt en britisk titel) ved at sælge Old Masters erhvervet fra kontantfattige europæiske aristokrater til amerikanske nouveau riche. Amerikas industrikaptajner - Morgan, Gould, Rockefeller, Carnegie og Clark - fyldte deres nybyggede palæer med malerier og skulpturer for at erklære deres økonomiske succes og demonstrere deres nye status på verdenscenen.

De velhavende er ikke de eneste, der drager fordel af kunsthandlere. Værkerne fra impressionister som Manet, Renoir, Monet, Degas og Cézanne forbliver populære i dag, hvor salget af deres malerier når titusinder af millioner dollars. Uden støtte fra den franske kunsthandler Paul Durand-Ruel kunne disse kunstnere muligvis falme i uklarhed.

Ifølge Philadelphia Museum of Art-kurator Jennifer Thompson, købte Durand-Ruel "over 1.000 moneter, 1.500 renoirs, 800 Pissarros, 400 Sisleys, 400 Cassatts og omkring 200 Manets." Mens offentligheden ikke kunne lide og ofte latterliggøre disse malerier, støttede kunsthandleren kunstnerne med stipendier og lån i årevis, på trods af den manglende interesse for impressionisme. Monet hævdede, "Vi ville være døde af sult uden Durand-Ruel, alle vi impressionister."

3. Direkte kunstnersalg

Mange nye eller nye kunstnere opgiver sponsorering af en kunsthandler og sælger værker direkte til købere. Dette kan være en fantastisk måde for samlere på et budget at få deres hånd på stykker af kommende kunstnere.

New York-parret Dorothy og Herbert Vogel - henholdsvis en bibliotekar og en postarbejder - klippede og reddede for at købe små værker af nye Minimalister i 1960'erne og 1970'erne og betalte kun et par hundrede dollars for hver. I løbet af de næste 40 år samlet de en samling på 2.400 stykker værd på hundreder af millioner af dollars. De donerede derefter deres samling til National Gallery of Art, der tilbyder gratis adgang til offentligheden. Lucio Pozzi, en af ​​deres foretrukne kunstnere, forklarede: "De var kunstnere, og samlingen var deres kunstværk."

Risici ved investering i art

Inden du investerer i et aktiv, skal du overveje dine korte og langsigtede økonomiske mål og risikotolerance. Din økonomiske situation og din investeringserfaring skal også spille en rolle i din analyse. Til sidst skal du identificere, om du vil være en aktiv eller passiv investor. Hvis du agter at være en aktiv investor, skal du være parat til at få den ekspertise og erfaring, der er nødvendig for uafhængigt at undersøge og træffe beslutninger om dine investeringer, herunder hvornår du skal købe eller sælge. Passive investorer er afhængige af uafhængige eksperter til at rådgive dem om sådanne beslutninger.

Finansielle rådgivere er enige om, at kunst ikke er i modsætning til traditionelle investeringskøretøjer som aktier, obligationer og råvarer. Som en konsekvens er ethvert monetært afkast fra investeringskunster usikker. Enhver potentiel køber af kunst til investering bør overveje følgende ulemper ved bestræbelsen.

1. Usikre afkastpriser

Kunst-publicister og avisredaktører er glade for historier, hvor den gennemsnitlige mand finder et længe mistet, støvet maleri på loftet eller køber et kasseret stykke i et salg i kvarteret og opdager, at det er millioner værd. Mens sådanne historier fylder enhver samlers hjerte med håb, er sandsynligheden for, at det sker med dig, lavere end din sandsynlighed for at vinde lotteriet to gange i løbet af et år. Der er nogle få grunde til dette.

Skæv estimater

Det økonomiske afkast fra kunst er forskelligt fra år til år. For eksempel var det gennemsnitlige årlige afkast for S&P 500 ca. 11,69% fra 1973 til 2016. Den årlige afkast for kunstaktiver er usikker med forskellige resultater produceret af forskellige indekser. Blouin Art Sales Index, et mål, der ofte bruges af kunstforhandlere, estimerer et 10% årligt afkast, lidt mindre end S&P-indekset. Forskere ved Stanford Business School analyserede imidlertid salgsdata og fandt, at resultatet var tættere på 6,5%. Da Gerlis beregnet det gennemsnitlige sammensatte afkast på investeringskvalitetskunst, der blev afholdt i fem til 10 år, konkluderede hun, at det var omkring 4%.

Hvad tegner sig for den store variation i resultaterne? Beregningerne af afkast er begrænset til en lille database over offentlig salg og udelader private transaktioner, der udgør mere end halvdelen af ​​markedet for investeringskvalitet. Disse indekser ignorerer også de kunstværker, der ikke sælges på auktion hvert år.

Som forfatter og kunstkritiker Georgian Adams forklarer i ”Big Bucks: Explosion of the Art Market i det 21. århundrede,” ”Hvis 10 Warhols tilbydes til salg, købes ni, men man tredobler sit skøn, ville præstationsindekser registrere et fint resultat. ” Dette giver ikke samlere en nøjagtig idé om, hvor meget et enkelt kunstværk sandsynligvis vil kommandere.

Ingen årlig afkast

I modsætning til aktier eller fast ejendom genererer kunst ingen indtægter for dens ejere - medmindre du er forhandler eller opkræver adgang for folk til at se dit stykke. Den eneste mulighed for de fleste til at drage fordel er at sælge kunsten for mere end dens købspris.

Løbende omkostninger

At have et kunstværk af investeringskvalitet involverer meget mere end at tage stykket hjem og hænge det på væggen. Som en stolt ejer vil du gerne vise din samling for at fremhæve dens skønhed og beskytte dens værdi med speciel belysning, dedikeret plads og miljøkontroller.

Forsikringspræmier for at beskytte dine brikker mod tyveri, tab eller skade kan udgøre flere tusinder af dollars om året, og forsikringsselskabet kan kræve ekstraordinære sikkerhedsforanstaltninger - lige som 24/7 videoovervågning - for at holde kunstværkerne sikre. Periodiske vurderinger er nødvendige for at opretholde fuld beskyttelse, hvis kunsten sætter pris på. Speciel emballering og procedurer kan være nødvendige, når værket flyttes eller transporteres, herunder til og fra en kunstforhandler eller auktionshus.

2. Manglende gennemsigtighed

De fleste investeringer er meget reguleret, men kunstmarkedet - som inkluderer forhandlere, gallerier, kunstmesser og shows og auktioner - har næsten ingen regulering eller tilsyn. Skønhed kan være i betragtning af beskueren, men værdien af ​​kunstgenstande fastlægges vilkårligt af en løs samling af gallerier, kunstkritikere og konsulenter, der bestemmer priser og kontrollerer købere. Størstedelen af ​​salget er private, ikke-rapporterede transaktioner eller gennemføres på offentlige auktioner, hvor forhandlere kan rigge priser ved at oppustere bud.

Potentiale for svig

Denne mangel på information fører jævnligt til forfalskninger og skandaler, der har narret selv de mest kendte forhandlere, auktionshuse og museer. Omfanget af forfalskninger i kunstverdenen er ukendt, da de fleste tilfælde, der involverer forfalskninger eller omtvistede værker, afvikles privat mellem sælgeren eller auktionshuset og køberen af ​​den falske.

• Knoedler & Company. Et af New Yorks ældste og mest ærverdige gallerier, det solgte $ 70 millioner for falske Pollocks, Motherwells og Rothcos til en tillidsfuld klient, hvilket førte til dens lukning i 2011.
• Christies. I 1995 solgte auktionshuset den falske ”Pige med svane” påstået af den tyske kunstner Heinrich Campendonk sammen med andre forfalskninger for flere millioner dollars. Ifølge The New York Times, solgte auktionshuset også en falsk Marc Chagall i 1997 for $ 450.000. Da dette blev opdaget, fratrådte Christie salget og returnerede køberens penge.
• Kunstmuseer. Selv de mest berømte kunstsamlere i verden, herunder New Yorks Metropolitan Museum of Art og Louvre, er ikke immun mod omhyggeligt udformede forfalskninger. Robert Walsh, en tidligere kunstforhandler, bemærker i en Salon-artikel, at George Demotte, berygtet som ”verdens største faker”, solgte mindst seks forfalskninger til Met. Michael Glover fra Storbritanniens uafhængige avis hævder, at mindst 20% af malerierne i verdensklasse museer er falske.

Bevis for ægthed

Provenance - historien om ejerskab og overførsler af et objekt - er især vigtig i kunstverdenen. Denne dokumentation skal indeholde navnet på hvert auktionshus, forhandler, galleri eller samler, der ejede stykket, samt fysisk bevis for deres ret til at sælge det.

Ud over at bevise ægthed fungerer herkomst som bevis for, at den person, der er i besiddelse af en vare, har den lovlige ret til at sælge den. Endelig kan de tidligere ejers identitet påvirke markedsprisen; et maleri, der ejes af en britisk kongelig, værdsættes højere, end hvis det blev afholdt af en uskillet ejer.

Ikke forveksle herkomst med en vurdering; bedømmere baserer deres tal på antagelsen af, at et værk er autentisk. Undersøgelse af herkomst kræver forskellige færdigheder, træning og betydelig baggrund og erfaring med den bestemte kunstner. De mest troværdige eksperter har offentliggjort artikler, undervist kurser eller katalogiserede essays om kunstneren. Slægtninge, ansatte og efterkommere af kunstneren accepteres normalt også som kvalificerede myndigheder.

3. For høje transaktionsgebyrer

Billedet for kunst afspejler virkeligheden på frie markeder; når udbuddet er mindre end efterspørgsel, stiger priserne, indtil ligevægt er nået, og omvendt. Der er ingen "fair" pris for et kunstværk, kun den pris, som en køber og sælger kan blive enige om. Den aftalte pris er muligvis ikke det beløb, som sælgeren betaler eller køberen modtager, da yderligere gebyrer typisk tilføjes eller trækkes fra salgsprisen.

Kunsthandlere mærker typisk stykker med 50% til 100% eller mere og er ikke forpligtet til at informere købere om markeringen. En kunsthandler, Yves Bouvier, berettigede en præmie på 24,5 millioner dollars til sin klient på et Modigliani-maleri, der blev købt for $ 93,5 millioner på grundlag af, at ”han optrådte som forhandler, at dette var klart for begge sider, og at han havde ret til at lave hvad han kunne. ” Hans klient sagsøgte ham for bedrageri og klagede over, at overafgiften var over 1 milliard dollars ved køb af 38 malerier.

Auktionshuse som Sotheby's og Christie's lægger også gebyrer på hammerprisen. Disse gebyrer, som undertiden er omsætningspapirer, inkluderer en præmie på 12% til 25% baseret på pris, sælgers provision, online gebyr, forsikrings- og opbevaringsgebyrer, mens de er i auktionshusets besiddelse, og tredjepartsomkostninger. Nogle auktionærer opkræver et "tilbagekøb" -gebyr på op til 5% af varens reservepris, hvis der ikke sker noget salg.

Tilknytningskøb

En favoritstrategi blandt forhandlere, der repræsenterer nye kunstnere, er at kræve, at købere køber værker af andre kunstnere for at erhverve det ønskede stykke, ifølge Mesler. Han fortalte Wealthsimple-magasinet, at for at købe et maleri af en virkelig varm kunstner, ”Der vil være en give-and-take-udveksling med gallerier, hvor man måske ønsker at købe et par andre kunstnere fra deres program, der ikke er så varme. Sådan forbliver gallerier i forretning. ”

4. Illikviditet og lange holdeperioder

Ifølge forskning fra Smithsonian American Art Museum er der mere end 400.000 kunstværker i offentlige og private samlinger over hele verden. Tallene udarbejdet af Bureau of Labor Statistics fandt, at der kun er mere end 27.100 malere, billedhuggere og illustratører i USA, der hver producerer originale stykker ved hjælp af en række medier - såsom olie, akvarel og gouache - og overflader, såsom papir, lærred og træ. Emne og stilarter adskiller et stykke fra et andet yderligere. Da hvert kunstværk er unikt, appellerer et specifikt værk typisk til en udvalgt gruppe af potentielle købere.

Købere er ofte vanskelige, især dem, der køber med det formål at have let overskud. Et maleri af Lucian Smith, der oprindeligt solgte for $ 10.000 i 2011, hentede $ 389.000 på auktion i 2013; hans nyere værker sælger imidlertid i området 10.000 til 25.000 dollars, ifølge Bloomberg. Jeff Rabin, hovedleder og medstifter af Artvest Partners, et uafhængigt kunstrådgivningsfirma i New York, siger i The Wall Street Journal, at samlere skal elske de stykker, de køber, fordi der ikke er nogen garanti for et sekundært marked, så de kan sidde fast med dem.

Selv eksperterne kan narre til at tro, at et stykke vil være meget mere værd, end det faktisk sælges til. Kunsthandler og samler Niels Kantor købte et maleri af Hugh Scott-Douglas for $ 100.000, der blev værdsat til kun $ 18.000 til $ 22.000 på auktion to år senere. ”Jeg vil hellere tage et tab,” siger han. ”Føler, at det kan gå til nul. Det er som en bestand, der styrtede ned. ” Hoveddelen er, at der ikke er nogen kaution, du kan sælge din kunst, når du vil eller modtage den pris, du forventer.

Den høje spredning mellem forhandlerens omkostninger og den endelige pris, som køberen betaler, fører til forlængede opholdsperioder, før prisfastsættelse overhaler den første markering. Mange forhandlere foreslår en minimumsperiode på 10 år eller længere, især for nye eller for nylig opdagede kunstnere. Det kan tage generationer for kunstverdenen at sætte pris på en bestemt kunstners geni; Vermeer, Gauguin og Van Gogh er repræsentative for de mange kunstnere, der blev betragtet som fiaskoer i deres levetid. Som Enrique E. Lieberman, præsident for Art Fund Association, sagde til Wall Street Journal: ”Du er generelt nødt til at tænke i form af en fem til 15-årig plan for at realisere overskud.”

5. Ekspertviden kræves

Udtrykket "investeringskvalitetskunst" blev opfundet for at identificere et specifikt kunstobjekt ", der af fagfolk anses for at have en god chance for i det mindste at holde sin værdi og sandsynligvis øges," ifølge Wealthsimple.

Quartz bemærker, at kunstinvesteringsindustrien "har udviklet en kompliceret signalproces, hvor godkendelse af en håndfuld gallerier, samlere og museer afgør, hvad der er godt og værdifuldt." Gallerier retfærdiggør denne praksis med påstanden om, at de beskytter kunstneren fra markedets luner.

Kendskab til spillerne og relationer i det skyggefulde netværk af sponsorering er vigtigt, hvis du agter at købe kunst for påskønnelse. Kunsthandler Marla Goldwasser bemærker i Quartz, at selvom du muligvis kan få et lige så attraktivt stykke på gaden fra en usponseret kunstner, vil du gå glip af investeringsværdien og den sociale prestige, der ledsager et galleri-sponsoreret objekt.

Tænk på eksemplet med Algur Meadows, en Texas-olemand, der stolede på to lidt kendte franske kunsthandlere, der overbeviste ham om at købe snesevis af malerier i midten af ​​1960'erne. Disse værker omfattede malerier, der påstås at være af Gauguin, Dufy, Chagall og Bonnard. Da han forsøgte at sælge nogle af dem, blev de imidlertid opdaget at være falske.

Meadows genopbyggede derefter sin samling, der kun handlede med de mest velrenommerede forhandlere og stoler på råd fra William Jordan, den første direktør for Meadows Museum ved Southern Methodist University. Lektionen, der skal læres? At vove sig ind i den fine kunstverden uden en betroet guide er beslægtet med at samle svampe med et bind for øjet - du vælger måske en fuld kurv, men ve dem, der spiser din høst.

Det endelige ord

Alle beviser peger mod den konklusion, at det kun er muligt at købe kunst kun for at høste en fremtidig fortjeneste. Traditionelle investeringer som aktier, obligationer, fast ejendom og guld har mere gennemsigtighed, bedre regler og højere likviditet end kunst. Transaktions- og ejerskabsomkostningerne til disse er også langt mindre end de markeringer og præmier, der betales i kunstverdenen. Vær opmærksom på advarslen fra Shane Ferro, en økonomisk reporter for Business Insider og tidligere kunstmarkedsreporter hos Artinfo: "At købe kunst er hasardspil i en illikvid og skyggefuld verden domineret af en håndfuld spillere, som næsten garanteres at vide mere end dig."

I mit tilfælde faldt kunst med vestlige temaer fra fordel i midten af ​​1980'erne, da olieformuer faldt ned på grund af et fald i olieprisen. Desuden nåede kunstneren, der malede ”Going Home” aldrig den anerkendelse og popularitet, der forventes af hans tidlige talent. Hvis jeg skulle sælge mit yndlingsmaleri i dag, ville jeg være heldig at få halvdelen af ​​min købspris.

Ikke desto mindre ville jeg købe stykket igen. Jeg har opnået næsten 40 års glæde ved at se den, og jeg er sikker på, at min søn vil sætte pris på kunsten, når den bliver hans. I sidste ende skal kunsten erhverves for den glæde, den giver dig; enhver gevinst i værdien er en bonus.

Ejer du nogle kunstværker? Har du købt dem for at tjene penge eller for at behage dig selv?